TIFF 2022 beginnt mit einem leicht inspirierenden Netflix-Biopic

Wenn man jemals einen Beweis dafür brauchte, dass die Welt unbedingt zum alten Zustand zurückkehren möchte, könnte man ihn in den Öffnungszeiten des finden Internationales Filmfestival von Toronto. Es ist praktisch das offizielle Thema des 47. Jahres des Festivals, seiner ersten vollständig persönlichen Ausgabe seit Beginn der Pandemie im Jahr 2020. „Die Filme sind zurück und wir auch“ ist das Motto, das in so vielen Worten von der üblichen Reihe von Vorfilmen und den Programmierern gerufen wird, die die Bühnen überqueren, um jede neue Auswahl vorzustellen.

Diese Botschaft spiegelte sich in einer allgemeinen Freude wider, die wie ein elektrischer Strom durch jeden Veranstaltungsort, jede Lobby und jede Schlange ging. Alle scheinen hocherfreut zu sein, zurück zu sein – und bereit, das alles zu tun Ist wie früher bei Nordamerikas größtem jährlichen Treffen von Filmliebhabern. Wir hoffen natürlich, dass die Aufregung das Einzige ist, was sich in diesem Meer grinsender, meist maskenloser Gesichter wild ausbreitet; Das Fehlen von Mandaten ist ein weniger ermutigendes Beispiel für den Wunsch aller, so zu feiern, als wäre es 2019.

Trotzdem bin ich auch aufgeregt. Nach zwei „hybriden“ Jahren, in denen ich das Festival virtuell in der Sicherheit und Bequemlichkeit meines Wohnzimmers erlebt habe, ist es soweit Ist schön, wieder vor Ort zu sein und noch einmal alle greifbaren Traditionen des Festes zu erleben. Das Essen mit Freunden sieht man nur ein paar Mal im Jahr, in diesen ungewöhnlichen Zeiten sogar noch seltener. Die Spaziergänge durch die Alleen Torontos, die weite Strecken in abgedunkelten Auditorien unterbrechen. Und der einzigartigste Ritus der TIFF-Passage: Die endlose, oft kaputte Rolltreppe an der Scotiabank hinaufzusteigen, die – um es mit den unsterblichen Worten von Mitch Hedberg zu sagen – dazu neigt, zu einer Treppe zu werden.

Und natürlich ist es großartig, wieder so viele Filme auf einer großen Leinwand projizieren zu sehen; Ich würde gerne die Stufen eines Wolkenkratzers hinaufsteigen, um zu einer Reihe wartender Sitzplätze oben zu gelangen. Der Reiz des vorübergehend ruhenden Kinoerlebnisses fand Eingang in die Eröffnungsrede von Cameron Bailey, dem ewig souveränen CEO des Festivals und Ein-Mann-Botschafter der Schmeichelei. („Das beste Kinopublikum der Welt“ nannte er uns alle gestern Abend, was mich zum Nachdenken brachte Waylon Smithers hinter dem Mikrofon bei der Monstertruck-Rallye: „Sie sind schon da, wir müssen sie nicht weiter so drängen.“)

Die Ironie dieses „Zurück ins Kino“-Cheerleadings liegt darin, dass sich das Festival nicht zum ersten Mal für einen entschieden hat Netflix Film als Eröffnungsauswahl ausgewählt. Und abgesehen von der Bedrohung, die der Streaming-Riese aktiv für die Kinos darstellt, ist der Film selbst, Die Schwimmer, wurde unansehnlich auf die riesige Leinwand der Roy Thomson Hall projiziert. Die Kinematographie war so hell und flach wie eine Postkarte und erinnerte mich weniger prestigeträchtige Produktionen wie Die Kissing Booth, hilfreich Beitrag zu einer einheitlichen Theorie der „Netflix-Ästhetik“. Jedes Bild sieht aus, als wäre es aufgenommen worden, um möglicherweise als Vorschaubild zu dienen.

Der Film ist ebenso dramatisch texturlos. Es erzählt die wahre Geschichte der Schwestern Yusra und Sara Mardini, Teenager-Schwimmmeisterinnen aus Damaskus, Syrien, die davon träumen, dorthin zu gehen Die Olympischen Spiele wurden Mitte der 2010er Jahre durch den Syrienkrieg unterbrochen. Schließlich flohen die beiden nach Deutschland, in der Hoffnung, der Gewalt zu entkommen und weiterhin ihren sportlichen Ambitionen nachzugehen. Die Reise würde sie über Land und Meer führen, durch mehrere Länder, wo ihr Leben und ihre Freiheit leben wurden häufig bedroht, bis … nun, entweder Sie wissen, wie diese wahre Geschichte der Beharrlichkeit endete, oder Sie nicht. Ich lasse Wikipedia verderben das erhebende Ergebnis.

Man muss schon herzlos sein, um von den Einzelheiten der Notlage der Mardini-Schwestern nicht berührt zu sein, aber man muss auch sehr nachsichtig sein, wenn man ignorieren würde, was für eine milde, tugendhafte Reportageautorin und Regisseurin Sally El Hosaini (Mein Bruder, der Teufel) daraus gemacht hat, ohne eine besondere Perspektive außer der einfachen Bewunderung. Unterwegs verteilt sie immer wieder kleine inspirierende Momente, wie ein Olympiateilnehmer, der im Pool Luft schnappt; Man fragt sich, ob diese unpassenden Popmusik-Montagen, wie es sich anfühlt, algorithmisch vorgeschrieben wurden Zugeständnisse an die Annahme, dass Abonnenten wegklicken, wenn sie mit zu viel Streit konfrontiert werden zweieinhalb Stunden. Es gibt kaum einen Moment im Film, der nicht so gestaltet ist, dass er zu Herzen geht, und das ist eine Schande Denn die Stars des Films, die echten Schwestern Nathalie und Manal Issa, scheinen das nervöse Orchester nicht zu brauchen Sicherung. Sie könnten die Emotionen auch ohne sie tragen.

Sowohl erzählerisch als auch stilistisch Die Schwimmer Der Trend tendiert ständig zu kitschigen Klischees, wie zum Beispiel die kurze Voice-Over-Anleitung durch den Vater/Trainer der Mädchen („Finde deine Spur. „Schwimm dein Rennen.“), während sie bei einer unruhigen Überquerung des Mittelmeers gezwungen sind, ihre Talente im Wasser auf Leben und Tod einzusetzen. In der Zwischenzeit sind die letzten 45 Minuten oder so ein generisches Sportdrama Im Miniaturformat alle Trainingsmontagen auf dem Weg zu einem großen Höhepunktspiel. Geschichten über die Erfahrungen von Migranten und insbesondere über die Vertreibung von Millionen Flüchtlingen während des andauernden Krieges in Syrien sind absolut erzählenswert. Aber diese Erzählung enthält nichts, was in einem NBC Sports-Segment für menschliche Interessen während der Olympischen Spiele fehl am Platz wäre.

Das Coole an TIFF ist jedoch: Im Flur wartet fast immer etwas Besseres. Ein weniger sentimentales und komplizierteres Porträt von Menschen, die auf der Suche nach einem besseren Leben Grenzen nach Europa überschreiten, finden Sie hier R.M.N., das Neueste vom zuverlässig prägnanten rumänischen Filmemacher Cristian Mungiu (4 Monate, 3 Wochen und 2 Tage). Der Film spielt hauptsächlich in einem Dorf in Siebenbürgen, das auf den ersten Blick wie eine Werbung für den Traum eines harmonisch multikulturellen Europas wirken könnte. Schließlich besteht es aus einer Mischung ungarischer, rumänischer und deutscher Einwohner, von denen jeder seine eigenen Bräuche und Religionen hat und friedlich zusammenlebt. Aber zwischen diesen Subkulturen gibt es Spannungen und es gibt Grenzen dafür, wie viel Vielfalt jeder akzeptieren wird, was deutlich wird, wenn die Das größte Unternehmen der Stadt, eine Großbäckerei, stellt mehrere srilankische Einwanderer ein – eine Entwicklung, die das erstarrte rassistische Herz des Unternehmens ans Licht bringt Gemeinschaft.

Dies ist eindeutig Mungius Film über die Fremdenfeindlichkeit und den weißen Nationalismus, die sich in den letzten Jahren in ganz Europa (und darüber hinaus) ausgebreitet haben. Man sollte die beobachtende Strenge seines Filmemachens nicht mit einem neutralen Auge verwechseln; Dies ist ein wütender Film, in dem viel Verachtung für die Art und Weise zum Ausdruck kommt, wie Religion und Großunternehmen oft die Schwächsten im Stich lassen. Die Herzstücksequenz ist eine Tour de Force im örtlichen Kulturzentrum, wo Mungiu als Stadtbewohner ein immer umstritteneres Treffen abhält Lassen Sie ihre Masken vollständig fallen und äußern Sie ihre intoleranten Beschwerden, während sie die Stimmen der Vernunft im Raum niederschreien, wie Csilla (Judith State), die mitfühlende Managerin des Bäckerei.

Was ist daran knifflig und fesselnd? R.M.N. ist die Art und Weise, wie Mungiu diese Handlung kontrastiert und verkompliziert, indem er ihr nicht weniger Realismus verleiht als eine Parallelerzählung: Die Heimkehr von Matthias (Marin Grigore), Csillas Liebhaber und einem gewaltigen, finster dreinblickenden Rohling, der am Rande der Gewalt zu stehen scheint jederzeit. Thematisch könnte er mehrere Funktionen erfüllen – es wird darauf hingewiesen, dass er während dieser bemerkenswerten Zeit im Mittelpunkt des Bildes sitzt One-Shot, und zwar im Zentrum der Geschichte, bleibt aber grundsätzlich desinteressiert an dem Drama, das dies umgibt Gemeinschaft. Wie auch immer man seine Bedeutung (oder das schlicht allegorische Ende) liest, Mungiu steigert die Spannung des gesamten Films mit seinen schwerfälligen Zickzack-Fahrten durch die Stadt, die wie eine menschliche Zeitbombe ticken. Es ist eine gesegnete Alternative zum geradlinigen, biografischen Adel von Die Schwimmer: Wichtiges Material in eine beunruhigend unlösbare Form gebracht.

Unsere Berichterstattung über das Toronto International Film Festival geht die ganze Woche über weiter. Für mehr von A.A. Besuchen Sie bitte Dowds Schriften Autorenseite.

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