Interview: Moby om fotografering, opvækst, uskyldige, ødelagt

"Du bliver bare ved med at skyde og håber på lykkelige ulykker. Den første redigeringsproces er faktisk i kameraet."

Elektronisk musik ikon Moby har altid fremført en individualists spin med sin musik, og den filosofi fører han videre til hans roste fotografi. Selv efter utallige højprofilerede udstillinger og gallerishows, holder han sig stadig til rådene fra sin onkel Joseph Kugielsky, fotograf for New York Times, delte efter at have skænket ham en af ​​hans gamle Nikon F kameraer da han kun var 10 år gammel.

"Han sagde: 'Hvis du kan, tag billeder af ting, andre mennesker ikke kan se'," husker Moby. “Hvis du er betalingsautomatarbejder, så tag billeder inde fra din betalingsautomat; det kan ingen andre se. Hvis du er musiker, så tag billeder fra scenen, for ingen andre kan se at. I betragtning af fotografiets allestedsnærværende, især i den digitale tidsalder, føler jeg, at næsten alt er blevet optaget 100 millioner gange."

Den digitale allestedsnærværelse har påvirket Mobys kreative impulser. "I betragtning af at halvdelen af ​​mennesker på planeten tager billeder, er det spørgsmålet om, hvad jeg kan gøre som en fotograf, der kan have betydning for mig og andre mennesker og stadig på en eller anden måde være unik,” han observerer. »Som tiden går, er jeg blevet mindre interesseret i reportage og dokumentering med det, der allerede er der. Det

Uskyldige at vise var jeg at skabe en verden og derefter dokumentere den, nærmest en slags manipulation af det semiotiske forhold, folk vil have til et billede." Uskyldige, Mobys succesrige gallerishow i 2014, var baseret på ideen om, at "apokalypsen allerede er sket. Showet er et kig på apokalypsen og en post-apokalyptisk 'kult af uskyldige', der er opstået i kølvandet på apokalypsen."

Digital Trends ringede til Moby (rigtige navn: Richard Melville Hall) i Los Angeles for at finde ud af mere om, hvordan han først fik det til fotografering, hvad hans yndlingsudstyr er, og hvad han går efter, når han tager billeder, mens han optræder på scenen. En ting er sikker: Moby kan lide at skyde.

Digitale trends: Hvornår vidste du første gang, at fotografering var vigtigt for dig, og var noget du ville forfølge?

Moby: Da jeg voksede op, blev jeg først introduceret til seriøs kunstfotografering gennem min mor. Vi var meget fattige, og vi havde kun én kunstbog, mens jeg voksede op – en bog med Edward Steichen-fotos fra slutningen af ​​det 19. århundrede til begyndelsen af ​​det 20. århundrede. Jeg brugte min barndom gentagne gange på at kigge på denne Edward Steichen-bog (om billedkunst) og blive overrasket over det.

Det, der fascinerede mig ved fotografering, selv i en tidlig alder, var at forstå, hvordan dette medie kunne have så mange forskellige værktøjer. Fotografering er så allestedsnærværende. Det kunne bruges til at sælge smør, det kunne bruges til at demonstrere krigsgrusomheder, og det kunne bruges til at skabe meget subtil, nuanceret skønhed. Jeg syntes, det var så interessant, totemisk og kraftfuldt.

Min onkel (Joseph Kugielsky) havde været fotograf for New York Times, så jeg voksede op med at hænge ud med ham i hans mørkeværelse. Han ville tage mig med til fotoshows på ICP (Internationalt center for fotografi), i New York og andre steder.

Fotografering er bogstaveligt talt i dit blod, kan man vel sige.

Ja. Da jeg var 10 år gammel, gav han mig mit første kamera, et Nikon F, som han havde brugt i årevis. Set i bakspejlet var det virkelig et ambitiøst, håbefuldt kamera for en 10-årig, der aldrig rigtig havde taget billeder. Og så fik jeg hvert år til min fødselsdag eller til jul et andet stykke fotoudstyr.

Hvad ville du få – ting som nye linser?

Jeg havde altid det samme objektiv, men jeg fik en spotmåler. Da jeg var 13 eller 14, lånte min onkel mig noget gammelt mørkerumsudstyr, som han ikke brugte - en Omega D2-forstørrelse. Jeg satte den op i kælderen i min mors hus og begyndte at lære at blande kemikalier og behandle film, fremkalde og printe.

Det eneste, jeg ikke savner ved mørkerummet, er kemikalierne, for de var virkelig utrolig giftige. Når jeg brugte meget tid på at arbejde i mørkeværelser, følte jeg mig bare syg hele tiden. Især fixeren og stopbadene - jeg føler, at især de to kemikalier nok har taget år fra mit liv.

Hvad bruger du nu, gear-mæssigt?

Nå, det afhænger af, hvad jeg skyder. Hvis jeg optager noget mere formelt eller mere velovervejet, bruger jeg Canon EOS 5D Mark II. Men jeg har et Canon PowerShot, som jeg bruger til ting, der er mere spontane, som hvis jeg tager billeder på scenen, eller hvis jeg laver undervandsfotografering. Jeg bruger Canon PowerShot, fordi den optager RAW. Selvom det er et lille kamera, har jeg faktisk været i stand til at tage billeder med det og printe dem rigtig, rigtig store – hvilket overrasker mig, fordi jeg antog med små kameraer, at jeg ville have iboende begrænsninger med hensyn til, hvad jeg kunne gøre, trykmæssigt.

Fordi jeg var meget fattig, var jeg nødt til at skyde meget, meget selektivt, da jeg voksede op. Film var dyrt, kemikalier var dyre, fremkaldelse af papir var dyrt – alt var dyrt. Da jeg begyndte at optage digitalt, begyndte jeg at skyde på samme måde, som jeg gjorde med film – meget selektivt og meget sparsomt. Men over tid, især med optagelser på scenen, lod jeg mig bare skyde konstant.

Hvordan ved du, hvornår du vil tage et skud, når du optræder? Hvordan kommer du ind i den sindsstemning?

For så vidt angår valg hvad at skyde - fordi lysene skifter så hurtigt, kan du ikke rigtig forudse, selv fra det ene sekund til det andet, hvad du får. Så du bliver bare ved med at skyde, og håber på lykkelige ulykker.

For mig er den første redigeringsproces faktisk i kameraet. Når jeg er på mit hotelværelse efter showet, før jeg lægger billederne af publikum ind i Lightroom, vil jeg se gennem kameraet og forsøge at slette halvdelen af ​​dem. Mange gange vil halvdelen af ​​dem være for mørke eller for slørede eller noget.

Har du nogle særlige yndlings lykkelige ulykker?

Ummm... helt ærligt, det er de alle sammen. (griner.) Den sidste serie jeg lavede, Uskyldige, var meget mere formelt på en måde - hvilket betyder, at det blev planlagt langsomt, med mange overvejelser. Men alle publikumsoptagelserne er for det meste spontane. De er bestemt et produkt af en levetid på at tage billeder. Hvis du rækker et kamera til en, der har brugt årtier på at tage billeder, vil de indramme tingene på en lidt mere velovervejet måde. Betyder det ikke bedre, fordi nogle gange kan utilsigtet spontan indramning være fantastisk. Jeg brugte så mange årtier på at kigge gennem en søger, at det er svært for mig ikke at indramme tingene lidt mere formelt.

Der er visse ting, der ikke behøver at blive skudt igen, især af en person, der har forsøgt at være en betænksom, professionel fotograf. Du kan bare lade visse ting være. Ligesom Eiffeltårnet - det er OK at ikke tage flere billeder af Eiffeltårnet. Jeg mener, det er en smuk bygning, den er bemærkelsesværdig, den er ikonisk, men medmindre du kan bringe noget nyt til et fotografi af noget, der er blevet skudt en million gange, er det nok bedst bare at gå videre og finde noget, andre mennesker ikke har dokumenteret.

Der er en unik stil til at skyde på scenen og på vejen.

Jeg ville ikke engang vide, hvad jeg skulle kalde det – det er en slags hybrid mellem (pauser) … selvbiografisk reportage. Et af mine yndlingsværker er Richard Billingham, en bog kaldet Ray er et grin (udgivet af Scalo i 2000). Hans fars navn var Ray, og det er dette fantastiske dokument af en familie opvokset i et boligområde i det nordlige England. På overfladen af ​​det kunne du ikke forestille dig noget mindre dramatisk eller overbevisende end en alkoholiker, der bor i et deprimerende boligområde. Men i hænderne på fotografen Richard Billingham bliver den smuk og transcendent og hjerteskærende og i stand til at kommunikere disse sandheder om den menneskelige tilstand. Det er hans geni i det værk, idet han tager det aldeles hverdagsagtige og fanger det og præsenterer det på en måde, der er unik og smuk.

Og det er nøglen. Kunne det også lade sig gøre med Eiffeltårnet?

Ja, der er sikkert en fotograf derude, mens vi taler, som tager et billede af Eiffeltårnet og fanger det på en måde, der er helt ny og unik.

Er der et emne eller objekt, du betragter som en udfordring, noget du ville gøre noget nyt med på en måde, det ikke er blevet gjort?

Helt ærligt blev det gjort i bogen Destroyed (2011), dokumentet om at tage på turné. Sandheden er, at verden af ​​musikere, der tager på turné, er blevet dokumenteret en milliard gange. Men jeg indså, at næsten alle dokumenter, jeg nogensinde havde set af en musiker på turné, begyndte at se ens ud for mig: enten glamourøse billeder af musiker på scenen, grove sort-hvide billeder af en musiker backstage eller musikere på et privat fly – og altid informeret af en følelse af glamour.

Glamour og berettigelse.

Jep. Oplevelsen af ​​at turnere - der er meget lidt, der faktisk er glamourøst ved det. Selvom du er i et tilsyneladende glamourøst miljø, er det stadig generelt smukt ikke glamourøse. Jeg ville dokumentere det foruroligende mærkeligt ved at turnere, "mundanity" ved at turnere på en måde, jeg aldrig havde set før. Det var udfordringen lige dér – at dokumentere touring på en måde, der føltes idiosynkratisk og ærlig.

Det kan jeg lide. Når du går på farten – og jeg har selv været derude med bands – er der 20 eller flere timer i døgnet, som ikke er det glam, som nogle mennesker gør det til. Apropos det, så elsker jeg det ene billede, du tog af folk, der ventede i lufthavnen.

Mm-hmm. Det er en af ​​grundene til, at jeg blev venner med Jason Reitman, efter han blev Op i luften (2009), fordi jeg synes, han gjorde et så godt stykke arbejde med at vise ikke bare manglen på glamour omkring flyrejser, men den foruroligende mærkelighed. At lave enhver form for rejser og enhver form for turné, i slutningen af ​​dagen... det er bare underligt.

At rejse er en mærkelig ting på nogle måder, hvis du træder tilbage fra det. Bliver det nogensinde mindre mærkeligt, jo mere du ender med at gøre det?

Det velkendte kan føles mindre mærkeligt over tid, men så er det nogle gange rart at træde et skridt tilbage og næsten genskabe sig selv med det fremmede ved det velkendte. Der er ikke rigtig meget i nogens liv, der, når det undersøges, ikke viser sig at være mærkeligt. Alt er.

Selv blot selve handlingen at være i live er mærkelig, i et univers, der er 15 milliarder år gammelt på en planet, der er 5 milliarder år gammel. At være disse mærkelige, flercellede skabninger – i sig selv, det er mærkelig. Per definition er der masser af ting i vores liv, der er velkendte, men det mindsker ikke på nogen måde deres mærkelighed.

Uskyldige var en stor succes. Har du andre store paraplyfotoprojekter, du arbejder på nu?

Nej. Der er en masse information at behandle og reagere på, og jeg er i gang med at forsøge at finde ud af, hvad det næste fotoprojekt og fotoshow bliver.

En af de fantastiske ting ved fotografering - og jeg siger fuldstændig det indlysende - er, at det kan være hvad som helst. Jeg taler specifikt om statisk fotografering; todimensionel ubevægelig fotografering. Mange af mine venner, der er fotografer, bevæger sig ind i eksperimentelle film og laver film. Jeg kan godt lide at gøre det, men i sidste ende ser jeg stadig så meget kraft i et statisk, todimensionelt billede. Det kan være abstrakt, det kan være hyper-virkeligt, det kan være reportage, det kan være fuldstændig fantastisk, opfundet og opdigtet. Der er noget både befriende og skræmmende i at prøve at tænke på det næste mærkelige fotoprojekt, jeg laver, for det kan være hvad som helst.