Falder af vandfald: Mød rejsefotografen Colby Brown

Colby Browns pas lyder som fotografens ultimative bucket list - nordlyset i Island, den australske outback, jaguarer i Brasilien og gorillaer i Uganda. Men på den allerførste tur, der først gav rejsefotografen en kløe efter at fange verden, var Brown en 17-årig, der klagede hver eneste chance, han fik.

Brown, som nu er 12-årig fotoveteran, har tacklet alle mulige projekter, lige fra at have ført to års studerende ekspeditioner for National Geographic til at optage annoncekampagner med store mærker som Google, Samsung og Microsoft. En Sony Artisan, Brown rejser mellem fem til syv måneder om året. Efter at have startet som single nomad lige ud af college, inkluderer hans rejser nu nogle gange hans kone og syvårige søn.

Browns arbejde er mindre nichefokuseret end de fleste fotografer. Mens scroller gennem sin Instagram afslører steder på tværs af flere kontinenter, hans arbejde spænder over landskaber, dyreliv og mennesker. I dag dækker hans professionelle arbejde marketing, rejser og fotouddannelse.

Efter at have ledet flere destinationsfotograferingsworkshops grundlagde han Den givende linse, en organisation, der samarbejder med non-profitorganisationer rundt om i verden med behov for billeder. Gennem The Giving Lens Trips kan fotografer lære på steder uden for den slagne vej, mens ikke-statslige organisationer får fotografier for at hjælpe med at fremme deres sag.

Under en workshop afholdt af Adobe på Jomfruøerne satte Brown sig for nylig sammen med Digital Trends til dele indsigt i hans fotografiske rejse, hans verdensomspændende eventyr og hans usædvanlige stil og redigering. Følgende interview er blevet redigeret for klarhed og længde.

DT: Hvordan kom du i gang?

Brun: Jeg kom til fotografering udelukkende gennem en kærlighed til at rejse. Jeg blev bogstaveligt talt bidt af rejsefejlen og indså, at rejser og tanken om at være uden for min komfortzone var sådan noget, var virkelig spændende for mig. Jeg tog på en Habitat for Humanity-rejse (det var faktisk ikke med dem, men sådan en tur), da jeg var 17. Det var meget udfordrende, og vi byggede skoler og lagde beton. Jeg tror, ​​jeg var ret elendig under turen - jeg brokkede mig meget. Men set i bakspejlet, selv et par uger senere, indså jeg, hvor meget det ændrede mig.

Da jeg gik gennem college, tog jeg et semester her og der for at rejse, og da jeg blev færdig, vidste jeg bare, at jeg ville tilbage på vejen. Jeg begyndte at fotografere udelukkende, fordi jeg troede, det ville være et køretøj, der ville give mig mulighed for at begynde at rejse igen.

Jeg var single, og jeg var nomadisk på det tidspunkt, så jeg havde ingen forbindelser. Jeg havde ingen ankre, noget der holdt mig hjemme, så jeg begyndte bare at rejse overalt. Jeg købte envejsbilletter og arbejdede på projekter, og det ene projekt ville føre til det næste. Jeg startede i Sydøstasien og boede derovre i en årrække, hvor jeg skrev noget for Sierra Club og en håndfuld andre steder og byggede lige min portefølje. Det var to år efter det startede, hvor jeg blev ansat af Nat Geo og hjalp med deres ekspeditionsprogrammer.

DT: Hvordan har din proces ændret sig, efterhånden som du får mere erfaring?

Jeg tror, ​​at jo mere jeg har fotograferet, jo mere har jeg været i stand til at finde ud af, hvad jeg kan lide at skyde, hvordan jeg skyder, og hvordan jeg kan lide at bearbejde. [Jeg har udviklet evnen] til at konceptualisere og forestille mig en scene, hvordan jeg vil optage den, når jeg er ude der i marken og har en anelse om, hvordan jeg måske vil bearbejde det, så det er et komplet stykke. Jeg finder de interessante historier i forhold til det, jeg fanger.

Ofte forsøger jeg at fremkalde følelser med mine billeder. Jeg føler, at det er sådan, man skal fange folks opmærksomhed i disse dage. Jeg oplever, at jo længere jeg optager, bliver jeg bedre til at finjustere de forskellige elementer, som jeg kan lide at kigge efter i en scene, de forskellige stilarter af, hvordan jeg kan lide at optage som lukkertider for vand og forskellige motiver, som jeg finder mere interessante, mere spændende eller som tager det bedst mulige billede med det givne scene.

Teknologien har også hjulpet en del i den proces, både på efterbehandlingssiden såvel som i feltarbejdet. Ting som sensorer bliver bedre - disse elementer har helt sikkert hjulpet med at gøre min proces nemmere, mere effektiv og mere effektiv i marken. Før havde jeg, både erfaringsmæssigt og teknologisk, måske ikke haft mulighed for at skabe så meget indhold, som jeg kunne fra et givent projekt eller en given rejse. Efter 12 år har jeg finjusteret processen ret godt. Jeg leder bestemt altid efter måder at forbedre mig på, men du lærer undervejs og finder ud af, hvad du vil, og hvordan du vil skyde.

DT: Hvilket råd vil du give til en ny fotograf, der lige er startet?

Hvis du lige er startet, vil jeg give dig to gode råd. Den første, jeg vil give, er, vær ikke bange for at fejle. Jeg tror, ​​at alt for mange mennesker ikke prøver og ikke træder i folden, ikke prøver nye ting, fordi de er bekymrede for enten ikke at være gode til det eller ikke at være i stand til at lykkes. I enhver branche, generelt, de mennesker, der er de mest succesrige, uanset om du taler om følelsesmæssigt eller økonomisk er deres succes generelt bygget på en række mislykkede ideer, og de har lært af dem fejl. Men de var villige til at prøve at presse sig selv derud.

Det næste råd, jeg vil give, er at prøve at lære af de dårlige billeder, du tager. Det er et svært koncept for nogle mennesker at forstå, fordi vi altid ønsker at fremvise den smukke side af tingene. Hvis du ser på vores Instagrams, er de kuraterede blik på vores liv, men i virkeligheden, da jeg først startede, lærte jeg meget mere af de 99 billeder, jeg tog, var lorte end det ene billede, der blev godt, fordi jeg var heldig, fordi jeg på det tidspunkt ikke vidste, hvad jeg var gør.

Jeg ville gå tilbage og studere dem, jeg ikke kunne lide, og jeg ville prøve at finde ud af hvorfor. Var noget indlysende som at være ude af fokus eller have en dårlig komposition? Var det emneplacering? Var det farvetonalitet? Fik jeg eksponeringen rigtig eller forkert? Inden for det spektrum, hvem kan jeg ikke lide det? Ved at gøre det og virkelig dykke ned i de fejl, jeg troede, jeg lavede, hjalp det mig med at finjustere min vision eller den røde tråd om, hvad jeg kan lide at skyde, hvordan jeg kan lide at skyde, og hvordan jeg kan lide at behandle. Jeg var i stand til at lære af disse fejl i stedet for blot at fokusere på vinderne eller trofæerne, som jeg var heldig med, fordi jeg stadig fandt ud af det på det tidspunkt. Smid ikke billeder væk eller slet billeder, som du ikke synes er gode. Prøv i stedet at tænke på måder at maksimere potentialet ud af dem. Lær af dine fejl og prøv ikke at begå dem næste gang.

DT: De fleste fotografer har en bestemt stil, det er dem alle. Men det griber man forskelligt an, billede for billede.

Absolut. På samme tid, hvis du kan lide de fleste fotografer, de fleste mennesker, der gør dette professionelt, specialiserer de sig. Så den og den bliver en landskabsfotograf, der fikserer sig på bjerge, og en anden, der bare laver studieportrætter, og måske inden for det fotograferer de bare kvinder. Jeg synes personligt, at sammenhængen inden for det kreative spektrum føles lidt begrænsende. Jeg har altid ønsket at fotografere en lang række ting, og inden for det rum vil jeg have hver af dem forskellige emner til at stå alene, at stå adskilt og fortælle deres eget stykke, så disse billeder føles enestående.

Jeg tror, ​​at hvis du ser tilbage på omfanget af min portefølje, så føler jeg, at der måske er en slags rød tråd, der hænger lidt sammen gennem dem, men det er ikke nær så tydeligt i dit ansigt. Visse fotografer, alle deres billeder har den samme stilisering. For mig er det ligesom fotografen, der præger deres stil ind i den naturlige verden eller hvad de nu oplever.

Jeg forsøger at afholde mig lidt fra det, for i det mindste at balancere følelsen eller idéen om virkeligheden og det, jeg husker, at jeg var der...Jeg vil ikke skabe falske billeder, men jeg vil lade folk får i det mindste en chance, en mulighed, et glimt af, hvordan det føltes at stirre på en Silverback-gorilla eller at se et vandfald på Island eller at se en smuk solnedgang i den amerikanske jomfru Øer. Hvis jeg kan indkapsle det, så vil jeg hellere give afkald på ideen om, at jeg skal præge min eneste stil, bare fordi det kan være givende fra et forretningsmæssigt synspunkt eller ud fra algoritmerne på sociale medier.

DT: Kan du fortælle os om din efterredigeringsproces?

Det er lidt forskelligt for hvert billede. Jeg kan godt lide at se på hvert billede og tænke, okay, hvad er den historie, jeg forsøgte at fortælle? Hvad er det, der fangede mig til at begynde med? Hvorfor tog jeg dette billede? Jeg føler, at det dikterer, hvordan jeg behandler, og hvad jeg kan lide at bruge.

Der er sikkert et par ting, der ligner hinanden, eller som jeg kigger efter, når jeg begynder at behandle mine billeder, som at tumle rundt med skygger og justere en lille smule dynamisk område. Men for det meste forsøger jeg at holde et vågent øje med pulsen eller den opfattelse af, hvad jeg forsøgte at fange ude i felten, og hvad jeg følte derude, da jeg fangede det, og hvordan man bedst indkapsler, at[jeg] bruger efterbehandling og disse værktøjer til at hjælpe med at accentuere de indledende følelser, det oprindelige formål for at tale.

Hvis du kigger min portfolio igennem, hvis du læser min Instagram igennem, vil der nok være nogle fællestræk i med hensyn til farveskemaer og ting, som jeg kan lide at skyde, men behandlingen for hver af dem er forskellige. Nogle bliver ret mørke, nogle bliver lysere og lysere. Det unikke ved de scener, jeg følte, blev kaldt for de stykker, som jeg følte, skabte de mest engagerende elementer til det fotografi.

DT: Du bruger Adobe Lightroom til redigering. Hvad er go-to-værktøjerne, især for nye brugere?

Der er et par af dem. Jeg tror, ​​at HSL-panelet generelt, nuance-, mætning- og luminanspanelet, nok er et, som de fleste mennesker ikke helt forstår, hvorfor de ikke bruger det.

Hvis du tænker på de fleste fotografer, der er ved at dukke op eller lige er startet, er de to mest overdrevne ting skarphed og mætning. Generelt med saturation tager de skyderen for saturation eller vibration og flytter den til højre, indtil de synes, den springer eller ser smuk ud. Problemet med det er, at du generelt øger mætningen på tværs af folden eller i det mindste størstedelen af ​​tonerne i hele billedet, og det ønsker du ikke nødvendigvis.

Jeg bruger personligt HSL-skyderen, fordi jeg kan sige hej, greens bør poppe lidt mere, fordi de er en vigtig del af scenen eller denne person eller dette landskab. Eller måske blues, måske vil jeg dæmpe dem lidt. Jeg føler personligt, at farvetonalitet såvel som en generel eksponering, lysstyrken af ​​billedet eller visse elementer i dit billede, kan diktere atmosfæren eller hvordan billedet portrætteres. Hvis du tænker på et portræt, er super mørk og fuld af kontrast en helt anden følelse, end hvis du ikke har nogen kontrast. Hvis du fotograferer et vandfald, og du synes, det er for mørkt eller for lyst, giver det forskellige følelser.

Farvetonaliteten af ​​de blå toner vil få dig til at føle dig kold, orangere toner vil få dig til at føle dig varmere, så HSL-skyderen giver mig mere endelig kontrol. Jeg kan sige, at disse farvetoner vil jeg enten justere nuancen eller tonaliteten af ​​det, jeg vil øge mætningen, hvilket er mere af punch, eller jeg vil øge lysstyrken eller luminansen af ​​de specifikke nuancer for enten at understrege dem eller formindske dem inden for det givne scene. Jeg tror, ​​at når du begynder at eksperimentere med de ting, åbner det en helt ny dør til at se på dine billeder og tage tingene til det næste niveau, for at begynde at træffe mere subjektive valg om din behandlingsstil, og hvordan du kan fremhæve motivet eller pointen for, hvorfor du tog det billede til at begynde med.

DT: Hvad er nogle af de skøreste ting, der er sket for dig, mens du var på rejse?

Vores sociale medier skaber det kuraterede look. Du kender ikke de gange, jeg har været derude, hvor jeg har fået Giardia fire gange, eller jeg har haft malaria to gange. Jeg er gledet af vandfald og næsten ikke overset afsatser, der ville have gjort drastisk ondt på mig. Sådanne ting plejede at ske hyppigere, end de gør nu, hvor jeg har en søn.

Nu er de mest virkningsfulde eller skøre oplevelser personligt, der rører mig mest, generelt omgivet af dyreliv. Der er noget unikt ved den forbindelse, som jeg får med et dyr, uanset om jeg er i Nambia og fotograferer geparder, i Uganda og fotograferer silverback-gorillaer eller i Brasilien og fotograferer jaguarer. At have de øjeblikke, hvor dyret kommer for tæt på til komfort, eller der er den slags intime øjeblikke, hvor jeg er i stand til at fange noget, det giver dig en lille smule mavekontrol. Måske skulle jeg have gjort det lidt smartere eller måske skulle jeg ikke være så tæt på. Det giver mig en følelse af perspektiv, sted og min rolle i denne gigantiske verden, som vi lever i. De er ofte generelt de mest transformerende, og for mig er nogle af mine bedste billeder personligt, som jeg ser tilbage på, og husker udfordringerne ved, hvad det tog at komme til disse steder. Bare de øjeblikke, der er i deres nærvær, er ret ydmygende.

DT: Har du andet, du gerne vil tilføje?

En af de ting, som jeg fortryder fra de tidlige dage, da jeg først startede, var ikke at udnytte at forbinde med samfundet. Det havde vi ikke meget af. Jeg tror, ​​at det i dag og alder er et godt tidspunkt at være fotograf, ikke kun på grund af de tilgængelige værktøjer og teknologier, men på grund af fællesskabet. Fotografering plejede at være denne isolerede kunstform, som du generelt gjorde, men generelt gjorde ingen af ​​dine andre venner eller kolleger. Nu har du disse massive fællesskaber og Instagram-møder og fotovandringer. Udnyt det, lær af dine jævnaldrende. Prøv ikke at se på alle som konkurrence, og nyd virkelig det faktum, at vi er så heldige at kunne gøre dette nu. At dele med andre mennesker med ting som sociale medier er bare fantastisk.